Archivos Mensuales: septiembre 2013

El “metro” de Helen Levitt

Todos hemos visto el trabajo que realizó Walker Evans en el metro de Nueva York, con una cámara oculta. Pero menos conocidas son las imágenes que muchos años después realizó Helen Levitt (1913-2009) en el mismo escenario, sin duda influida por quien fue su maestro y amigo. La fotógrafa norteamericana, conocida por sus instantáneas de la vida callejera de “la gran manzana”, también se vio seducida por jugar con “el robado” en este propicio lugar para el abandono, la meditación o la intimidad vigilada. Tal vez no sean las fotografías más brillantes de su larga carrera, pero demuestra una vez más esos lugares comunes a los que los fotógrafos recurren en algún momento, sin duda motivados por los trabajos previos que otros hicieron anteriormente, sea como experimento, como prueba o como tentación en la que caen esos fotógrafos, que como Helen Levitt en este caso, tanto buscaban esa imagen sincera y real de nuestros congéneres.

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Todas las fotografías © Helen Levitt

La frase fotográfica de los martes, por Duane Michals

“Las fotografías deberían ser provocadoras y no contarte lo que tú ya conoces.”

Duane Michals.

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© Duane Michals, “Who am I?”

El edificio Flatiron, imán de fotógrafos

Como solemos hacer en el blog, comparando las diferentes formas que tiene un fotógrafo de realizar un retrato a un personaje público, o las diversas maneras de afrontar un proyecto sobre un mismo tema, hoy vamos a acercarnos a un edificio mítico para contemplar cómo las opciones que tenemos de fotografiarlo son interminables. Al final, como en toda fotografía, lo que cuenta es el fotógrafo, su manera de mirar y de pensar la imagen, y el resultado será una prolongación de sí mismo. Por lo menos, ésa es la fotografía que resulta más interesante, la que supone una forma de expresión personal.

Aunque Nueva York cuenta con diferentes rascacielos que forman parte del imaginario común, el Flatiron Building es un edificio tremendamente atractivo, por su peculiar y original diseño. Terminado de construir en 1902, su nombre original es el de edificio Fuller, en honor al constructor, pero debido a su parecido con una plancha, ha sido bautizado popularmente como “flatiron”.  Y, desde su construcción, fue un imán que atrajo el objetivo de diferentes fotógrafos.

Tal vez la imagen más conocida sea la firmada por Edward Steichen, en 1904, utilizando el estilo pictorialista de la época, y consiguiendo una evocadora y romántica fotografía del rascacielos. De los mismos años, también podemos encontrar las fotografías de Alfred Stieglitz y Alvin Langdon Coburn, con similar estética, y jugando también a superponer ramas o troncos sobre el Flatiron. El estilo directo y nítido de años posteriores, aparece en las fotografías de Berenice Abbott y Walker Evans, y en la fotografía del fundador de la Bauhaus, Walter Gropius, encontramos el experimentalismo cercano a las vanguardias del periodo de entreguerras de los años 20 y 30.

Desde el cielo, desplegando su picuda sombra, ubicado en el centro de un sólido viñeteado, situado en su contexto callejero, etéreo o teñido con colores, las posibilidades son múltiples y así lo podemos ver en los otros ejemplos, realizados también por grandes de la fotografía, como René Burri, Elliott Erwitt o Gilles Peress, entre otros.

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© Alfred Stieglitz (1903)

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© Edward Steichen (1904)

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© Alvin Langdon Coburn (1913)

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© Walker Evans (1928)

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© Walter Gropius (1928)

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© Berenice Abbott (1938)

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© Berenice Abbott (1938)

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© Rudy Burckhardt (1947)

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© Elliott Erwitt (1969)

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© Elliott Erwitt (1969)

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© René Burri (1978)

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© Gilles Peress (1982)

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© Thomas Hoepker (1997)

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© Christopher Brown (2009)

Extrañados: Larry Sultan para W Magazine

Larry Sultan (1946-2009) es uno de los fotógrafos contemporáneos más influyentes. Firmó trabajos que forman parte de la historia de la fotografía del siglo XX, como “Pictures from home”, “The Valley”, o el clásico “Evidence”, donde junto a Mike Mandel expandieron el significado del archivo fotográfico, descontextualizando imágenes encontradas en instituciones públicas. También Sultan realizó números encargos comerciales para publicaciones como Vanity Fair, W Magazine o The New York Times. En Enero de 2007 publicó en W Magazine el trabajo titulado “Pacific Heights”, donde retrataba a la clase alta de San Francisco, en una serie de fotografías con un magnífico acabado, el brillante uso de la luz que le caracterizaba, y una composición e intención a la altura de su talento. Es el encargo “extrañado” que recordamos hoy.

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La frase fotográfica de los martes, por David LaChapelle

“La gente dice que las fotografías no mienten, pero las mías sí lo hacen.”

David LaChapelle.

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© David LaChapelle

Fotoperiodismo con nombre de mujer

Seguramente, si hiciéramos un repaso a los contenidos de este blog a lo largo de estos tres años, la presencia de mujeres fotógrafas sería muy escasa. Y es que, no hay duda que la presencia de la mujer en actividades artísticas, o puramente laborales, ha ido de la mano de la liberación que comenzó en el siglo XVIII y ha continuado hasta nuestros tiempos. Hoy en día, para enriquecimiento de la fotografía, hay un buen número de mujeres en la primera fila de todos los diferentes campos fotográficos, aunque, como en otros órdenes de la vida, todavía queda camino por recorrer. A pesar de ello, si retrocedemos en el tiempo, sí podemos encontrar nombres claves en el desarrollo del medio durante su historia, como Julia Margaret Cameron, Dorothea Lange, Berenice Abbott, Helen Levitt o Diane Arbus, por citar a algunas.

Y, aunque pueda sorprender, el fotoperiodismo también se ha nutrido con destacados nombres de fotógrafas, que no han dudado en exponerse en guerras y conflictos armados para traernos información de primero mano en momentos claves del mundo contemporáneo.  Entre ellas, tal vez sea Margaret Bourke-White (1904-1971) el nombre más destacado por su prolija carrera e imágenes icónicas de la Segunda Guerra Mundial, como las que realizó del campo de concentración de Buchenwald, que han quedado como símbolo de la barbarie del siglo XX. También son recordados sus numerosos trabajos para la mítica revista Life, entre los que se encuentra la fotografía “Kentucky Flood”, realizada en 1937, y que nos muestra de manera cruda el contraste entre el cartel publicitario, con una familia blanca y sonriente, bajo el lema “World’s Highest Standard of Living”, y la fila de personas negras, ni tan felices, ni tan sonrientes.

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© Margaret Bourke-White

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© Margaret Bourke-White

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© Margaret Bourke-White

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© Margaret Bourke-White

La carrera de la alemana Gerda Taro (1910-1937) fue tan breve como lamentablemente lo fue su vida. Conocida por su unión sentimental y profesional con Robert Capa, junto al fotoperiodista húngaro, se encargó de construir el seudónimo de Capa, originalmente nacido como André Friedmann, para conseguir vender sus trabajos. Al comienzo de su carrera, las imágenes que realizaban ambos las firmaban con ese nombre, por lo que ha sido difícil identificar las fotografías de Gerda Taro entre ellas. De las que sí se conoce su autoría, las más importantes fueron las realizadas en la Guerra Civil española, como sus instantáneas de la batalla de Brunete, y de la vida cotidiana durante el conflicto español. Su trágica y joven muerte, aplastada por un tanque, la convirtió en un mito que trascendió la fotografía.

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© Gerda Taro

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© Gerda Taro

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© Gerda Taro

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© Gerda Taro

El nombre de Lee Miller (1907-1977) también es recordado por su relación con otro gran creador del siglo XX, Man Ray, aunque su trayectoria posterior está por encima de esa etapa. Después de sus años como modelo, la norteamericana comenzó a trabajar como asistente de Ray en su estudio de París. Aprendió técnica fotográfica, se relacionó con el mundo intelectual de la capital francesa, y en 1932 se estableció en Nueva York con su propio estudio fotográfico. Su vida dio otro giro cuando decidió ejercer de fotoperiodista durante la Segunda Guerra Mundial, inmortalizando durante la contienda la liberación de París, la dura batalla de Alsacia, y la liberación de los campos de concentración de Buchenwald y Dachau. Unas de las fotografías suyas más recordadas fueron las que realizó en la casa del burgomaestre de Leipzig, donde podemos contemplar los cadáveres de la familia, que había decidido suicidarse antes que caer en manos aliadas. Curiosamente, también existen unas fotografías realizadas por Margaret Bourke-White en el mismo lugar, que debía estar trabajando junto a Lee Miller en aquellos días.

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© Lee Miller

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© Lee Miller

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© Lee Miller

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© Lee Miller

La frase fotográfica de los martes, por Andreas Gursky

“Para mí, la visión es una inteligente forma de pensamiento.”

Andreas Gursky.

Paris, Montparnasse 1993

© Andreas Gursky

Man Ray y el encargo “eléctrico”

Si echáramos la vista atrás dentro de lo que podríamos definir como historia del arte, nos daríamos cuenta que gran parte de las más importantes obras artísticas, fueron realizadas por encargo y con un determinado fin. Hasta hace apenas un par de siglos, no podríamos hablar de arte puramente realizado por y para el arte, sin encargo comercial de por medio. Y, curiosamente, hoy hay una gran división entre el mundo artístico y el mundo comercial, siendo “apartados” de lo que se considera arte, aquellos creadores que navegan entre ambos mundos o cuyas obras son subestimadas por haber sido realizadas por encargo. Sería interesante conocer qué sucederá con el arte que se hace hoy en día en el futuro, y qué tendrá mayor valor cuando, pasado el tiempo, las etiquetas desaparezcan de las obras presentes y puedan ser observadas con mayor neutralidad.

Man Ray (1890-1976), al que nadie puede omitir el calificativo de artista, realizó muchos de sus trabajos más conocidos por encargo. Así, a finales de la década de 1920 recibió la tarea, por parte de la Compañía de París de la Distribución de la Electricidad (CPDE), de crear una serie de imágenes que sirvieran de homenaje a la electricidad. Estas obras irían a parar a un folleto que sería repartido entre los clientes más selectos de la compañía (algo parecido a lo que se hace en la actualidad con el calendario Pirelli). Para llevar a término el trabajo, Man Ray se sirvió de las técnicas fotográficas que capitalizaron gran parte de sus fotografías, las rayografías y las solarizaciones. Bombillas, luces estroboscópicas, enchufes… fueron alguno de los elementos que incluyó en este famoso proyecto. También el cuerpo de su ayudante, modelo, fotógrafa y amante, Lee Miller, aparece de manera insinuante para darle un toque más humano a alguna de las fotografías.

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La frase fotográfica de los martes, por Paul Valery

“Ver es olvidar el nombre de la cosa que uno ve.”

Paul Valery.

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Philippe Halsman, “Paul Valery” (1936)