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Pequeños (o grandes) desconocidos: Los autocromos de Charles Zoller

Todos conocemos los nombres de Stephen Shore, William Eggleston, Joel Meyerowitz… conocidos por ser pioneros en el uso del color dentro de lo que se podría denominar fotografía de autor o artística. Pero la película en color nació mucho antes de que todos estos grandes nombres la utilizaran. Allá por 1907 los hermanos Lumiere empezaron a producir la primera película de distribución comercial de este tipo, el autocromo. A pesar de un uso poco fácil para conseguir buenos resultados, rápidamente numerosos fotógrafos se lanzaron a plasmar el mundo de la manera más fiel posible, en color. O al menos, con los colores que era capaz de recoger esta película, apagados y tenues, poco parecidos a los de las películas vivas que más tarde llegarían de la mano de Kodak.  Charles Zoller (1854-1934, nacido en Rochester, Estados Unidos) fue uno de los primeros norteamericanos que hizo uso de la invención francesa. Entre 1907 y 1932, este antiguo comerciante de muebles de decoración, produjo miles de autocromos, con los más variados temas. Arquitectura, paisaje, retrato, o reproducciones de arte, los motivos cabalgan entre diferentes géneros, siempre con ese aspecto evocador y pictórico propio del autocromo.

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Raíces: Joel Meyerowitz, Hiroshi Sugimoto y Samuel Burns

Como solemos realizar en esta sección, es interesante ver cómo dialoga la fotografía contemporánea con autores o trabajos anteriores. Hace poco tiempo, contemplé el trabajo de un norteamericano llamado Samuel Burns. Unas imágenes de paisaje marítimo realizadas con largos tiempos de exposición. E inmediatamente, me vinieron dos fotógrafos a la cabeza. Por una parte, la serie “Seascapes”, de Hiroshi Sugimoto (Japón, 1948), comenzada en 1980, que tiene también como protagonista el mar, y ejecutada también mediante largas exposiciones, hasta conseguir unas imágenes aún más abstractas, al carecer de color. Y por otra, el legendario trabajo “Cape Light” (1979), firmado por Joel Meyerowitz en la zona de la costa norteamericana de Cape Cod, que tiene como  protagonista la luz y el color, consiguiendo fotografías de enorme plasticidad, y de gran capacidad evocadora. En el trabajo de Burns, de alguna manera, se fusiona esa estética del artista japonés, con el color del creador norteamericano. Seguro que las comparaciones no le desagradan a Samuel Burns. No quiere decir que su trabajo esté todavía a ese nivel, claro.

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© Samuel Burns

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© Samuel Burns

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© Samuel Burns

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© Samuel Burns

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© Samuel Burns

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© Hiroshi Sugimoto

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© Hiroshi Sugimoto

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© Hiroshi Sugimoto

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© Hiroshi Sugimoto

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© Hiroshi Sugimoto

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© Joel Meyerowitz

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© Joel Meyerowitz

Storm Over Corn Hill Beach, Truro, Cape Cod 1976

© Joel Meyerowitz

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© Joel Meyerowitz

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© Joel Meyerowitz

Raíces: Tony Ray-Jones y Martin Parr

Martin Parr (1952) es uno de los fotógrafos más populares e influyentes dentro de lo que se ha denominado “nuevo documentalismo”, tan presente y activo en ese magma difícil de delimitar de la fotografía artística contemporánea. Su visión ácida y mordaz de la sociedad británica, que luego ha extendido más allá de las fronteras de su país, nos ha colocado a todos ante las pequeñas y cotidianas miserias de los comportamientos humanos en el interior de la masa ciudadana.

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© Martin Parr

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© Martin Parr

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© Martin Parr

Uno de los antecedentes de la obra de Martin Parr hay que encontrarlo en el trabajo del también inglés Tony Ray-Jones (1941-1972), muerto a una temprana edad a causa de la leucemia, pero que fue capaz en su breve carrera de hacer una radiografía del estilo de vida británico, donde podemos ver una visión similar a los primeros proyectos de Parr.

Tony Ray-Jones pasó varios años estudiando en los Estados Unidos, en la Escuela de Arte de la Universidad de Yale, y más tarde junto al mítico director de arte, Alexey Brodovitch. En los Estados Unidos conoció el trabajo de fotógrafos de calle como Joel Meyerowitz y Garry Winogrand, que influyeron en su obra posterior. A su vuelta a Inglaterra, en 1965, y con todo ese bagaje artístico y cultural, empezó a compaginar su trabajo fotográfico comercial, junto a su interés personal por la sociedad británica. Lamentablemente, una breve y repentina enfermedad acabó con su brillante y talentosa carrera seis años después, en 1971.

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© Tony Ray-Jones

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© Tony Ray-Jones

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© Tony Ray-Jones

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© Tony Ray-Jones

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© Tony Ray-Jones

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© Tony Ray-Jones

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© Tony Ray-Jones

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© Tony Ray-Jones

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© Tony Ray-Jones

Martin Parr conoció el trabajo de Tony Ray-Jones en los años 70, cuando él estudiaba fotografía en la Universidad  Politécnica de Manchester, gustándole esa “anarquía y ambigüedad”, y esos “contrastes y esa excentricidad” que reflejaban de forma bizarra la sociedad inglesa del momento.  Inspirado por él, Parr realizó “The Non-Conformists”, dos años después de la muerte de Ray-Jones. Influencia que continuó en los siguientes proyectos de Parr, centrados en Inglaterra, como “Bad Weather” (1982) y “A Fair Day” (1984) y su primero en color, “The Last Resort: Photographs of New Brighton”, donde encontramos esos mismos intereses, y esa fotografía callejera irónica, cargada de demoledora irreverencia. Una visión que se hizo más histriónica con su paso al color, donde el uso del flash y la saturación acentuaron su corrosivo punto de vista, siendo aún más contundente de lo que había sido Tony Ray-Jones.

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© Martin Parr

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© Martin Parr

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© Martin Parr

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© Martin Parr