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El color de Vivian Maier

Ya hemos contado en el blog la increíble historia de Vivian Maier, la niñera que pasó gran parte de su vida haciendo fotografías, y que no fue descubierta hasta después de su muerte, donde ese espectacular tesoro formado por miles de imágenes salió a la luz. Hoy vamos a detenernos en una parte menor de su trabajo, pero que no deja de poseer las señas de identidad de Vivian Maier, sus instantáneas en color. Aunque el número de fotografías que captó en color es pequeño, en relación al blanco y negro,  sí podemos atisbar ese ojo inquieto, juguetón y tremendamente visual  de Maier, añadiendo también en este caso la posibilidad de jugar con los colores, abriendo nuevas posibilidades a sus imágenes.

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En las calles de Londres: territorio de fotógrafos

La semana pasada echábamos un pequeño vistazo a algunos de los numerosos fotógrafos que convirtieron París en la gran protagonista de sus fotografías. En ese artículo, decíamos que la capital francesa era sin duda una de las más importantes capitales del mundo de la imagen. Allí se presentó el primer proceso fotográfico, en 1839, y allí han ido a parar casi todos los grandes creadores del siglo XX.

Pero vamos a dirigirnos unos cientos de kilómetros más al norte, y vamos a contemplar otra universal metrópoli a través de los ojos de varios fotógrafos. Se trata de Londres, la capital de Inglaterra, y una de las más destacadas urbes del mundo. Pero, al pensar en Londres, no ocurre como en París. Piensas en París, piensas en fotografía, piensas en imágenes icónicas, y rápidamente surgen los Robert Doisneau, Henri Cartier-Bresson o Eugène Atget, entre otros. Y es que la capital de Inglaterra no ha sido nunca un imán cultural como lo fue París durante los siglos XIX y XX. Si alguien quería ser artista, no iba a Londres, desde luego. Y en el país británico la fotografía no recibió el espaldarazo público y estatal como ocurrió en Francia desde sus orígenes.

Aun así, indudablemente, también vamos a encontrar fotógrafos seducidos por las calles de Londres, capital económica, metrópoli multicultural como ninguna otra, y desde mediados del siglo pasado, origen de tendencias urbanas y musicales. Y, a pesar de los grandes atractivos que tiene la ciudad a muchos niveles, es precisamente la vida de la calle lo que ha atraído en mayor parte a los fotógrafos que podríamos denominar “londinenses”.

De esta manera, podemos comenzar yéndonos a uno de los pioneros de lo que ahora denominaríamos “street photography”, John Thomson (1837-1921). El fotógrafo escocés, más conocido por sus fotografías de viajes a lugares exóticos, e inaccesibles en ese momento, de Asia, se estableció en Londres a partir de 1872. Allí, durante los años 1876 y 1877, publicó junto al periodista Adolphe Smith, una revista mensual llamada “Street Life in London”, que retrataba con imágenes y texto la vida de la ciudad, y que más tarde tomó forma de libro. Aquí vemos alguna de esas fotografías.

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Uno de los proyectos más conocidos que ha protagonizado Londres ha sido “A Night in London” (1938), un fotolibro realizado por el gran fotógrafo germano-británico Bill Brandt (1904-1983), y que llevó a las calles británicas lo que Brassai había conseguido previamente en París.

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Si al principio hablábamos de Londres como núcleo de movimientos y tendencias urbanas, uno de los fotógrafos que suplo plasmarlo fue Terry Spencer (1918-2009), que durante la época del “swinging London” en los 60, y en las décadas posteriores, con el nacimiento de las “tribus urbanas”, hizo de su cámara un importante testigo de todo ello.

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Entre el gran legado fotográfico de la agencia Magnum, tal vez sea el inglés Ian Berry (1934) el fotógrafo más relacionado con Londres, debido a que es su lugar de residencia habitual, al que ha vuelto siempre tras los numerosos viajes cubriendo noticias a lo largo del mundo.

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Un relevante nombre de la fotografía actual de calle es el de Matt Stuart (1974), que recoge parte de ese famoso humor inglés, y lo traslada a la vida de la ciudad, buscando ocurrentes coincidencias, brillantes yuxtaposiciones, en un verdadero alarde de encuentro de “momentos decisivos”. Y casi siempre en las calles de Londres, donde Stuart encuentra su especial ecosistema visual.

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Y, por supuesto, otros fotógrafos pasaron en uno u otro momento por Londres, aunque fuera de forma fugaz, para realizar algún trabajo o encargo fotográfico. Cartier-Bresson, Horacio Coppola, Bruce Davidson, Jean Gaumy, Bruce Gilden, Sergio Larraín… Tal vez no tengan un extenso álbum de la ciudad, pero sí imágenes que de una u otra manera simbolizan diferentes prismas desde los que contemplar Londres. Vamos a quedarnos, de toda esa larga lista, con las instantáneas de Bruce Davidson (1933), un fotógrafo al que para nada identificamos con Londres, pero que pasó por allí en los años 60, y se llevó consigo unas interesantes y evocadoras fotografías.

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Arnold Genthe y la cámara oculta de Chinatown

Prácticamente cada día nos encontramos en Internet con algún retrato “robado” utilizando el anonimato y la facilidad que proporciona el teléfono móvil. Con su uso, la fotografía callejera, que nunca había desaparecido, pero que algunos ni siquiera sabían que existía, está viviendo un pequeño renacer. Miles de fotógrafos se lanzan cada día a poblar con sus imágenes las galerías de Instagram, y en buena parte fijan sus objetivos en los desprevenidos transeúntes. Curioso que en un momento “crítico”, digamos para el fotógrafo “profesional de calle”, por los problemas y limitaciones que han surgido en relación a la protección de la imagen y la privacidad y los límites que la seguridad están imponiendo en muchas ciudades del mundo, el fotógrafo “aficionado” haya encontrado precisamente en las ciudades y las personas su gran escenario. Y, en gran medida, gracias al uso de la cámara del teléfono móvil.

Pero hace más de 100 años, un fotógrafo nacido en Alemania, Arnold Genthe (1869-1942), paseaba por las calles del Chinatown de San Francisco, con la misma intención. Captar a la exótica población de origen chino que habitaba el barrio.  Y lo hacía con una cámara oculta, por temor a ser descubierto y tener que terminar su trabajo sobre Chinatown de manera abrupta. Fotografías que acabarían en un libro, titulado “Pictures of old Chinatown”, y publicado en 1909. En esa época, y después de perder su estudio en el gran terremoto de San Francisco, Arnold Genthe se trasladaría a Nueva York, y acabaría siendo retratista de grandes estrellas de la época, como Greta Garbo, y un fotógrafo también muy especializado en la danza.

Recordaremos hoy alguna de aquellas fotografías realizadas en las calles de Chinatown, entre 1896 y 1906. Unas imágenes que, para algunos son el sello de un pionero de la fotografía callejera, y un testimonio de una época, y que para otros, como diferentes historiadores que las han analizado con el tiempo, muestran la visión sesgada y occidental de una comunidad que no era tan cerrada y exótica como Arnold Genthe presenta.  Para probarlo, estos estudiosos hablan de que Genther eliminaba de las imágenes cualquier vestigio de presencia occidental en el barrio, como letreros y carteles, que quitaran pintoresquismo a las fotografías.

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Todas las fotografías © Arnold Genthe

Raíces: Tony Ray-Jones y Martin Parr

Martin Parr (1952) es uno de los fotógrafos más populares e influyentes dentro de lo que se ha denominado “nuevo documentalismo”, tan presente y activo en ese magma difícil de delimitar de la fotografía artística contemporánea. Su visión ácida y mordaz de la sociedad británica, que luego ha extendido más allá de las fronteras de su país, nos ha colocado a todos ante las pequeñas y cotidianas miserias de los comportamientos humanos en el interior de la masa ciudadana.

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© Martin Parr

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© Martin Parr

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© Martin Parr

Uno de los antecedentes de la obra de Martin Parr hay que encontrarlo en el trabajo del también inglés Tony Ray-Jones (1941-1972), muerto a una temprana edad a causa de la leucemia, pero que fue capaz en su breve carrera de hacer una radiografía del estilo de vida británico, donde podemos ver una visión similar a los primeros proyectos de Parr.

Tony Ray-Jones pasó varios años estudiando en los Estados Unidos, en la Escuela de Arte de la Universidad de Yale, y más tarde junto al mítico director de arte, Alexey Brodovitch. En los Estados Unidos conoció el trabajo de fotógrafos de calle como Joel Meyerowitz y Garry Winogrand, que influyeron en su obra posterior. A su vuelta a Inglaterra, en 1965, y con todo ese bagaje artístico y cultural, empezó a compaginar su trabajo fotográfico comercial, junto a su interés personal por la sociedad británica. Lamentablemente, una breve y repentina enfermedad acabó con su brillante y talentosa carrera seis años después, en 1971.

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© Tony Ray-Jones

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© Tony Ray-Jones

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© Tony Ray-Jones

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© Tony Ray-Jones

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© Tony Ray-Jones

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© Tony Ray-Jones

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© Tony Ray-Jones

Martin Parr conoció el trabajo de Tony Ray-Jones en los años 70, cuando él estudiaba fotografía en la Universidad  Politécnica de Manchester, gustándole esa “anarquía y ambigüedad”, y esos “contrastes y esa excentricidad” que reflejaban de forma bizarra la sociedad inglesa del momento.  Inspirado por él, Parr realizó “The Non-Conformists”, dos años después de la muerte de Ray-Jones. Influencia que continuó en los siguientes proyectos de Parr, centrados en Inglaterra, como “Bad Weather” (1982) y “A Fair Day” (1984) y su primero en color, “The Last Resort: Photographs of New Brighton”, donde encontramos esos mismos intereses, y esa fotografía callejera irónica, cargada de demoledora irreverencia. Una visión que se hizo más histriónica con su paso al color, donde el uso del flash y la saturación acentuaron su corrosivo punto de vista, siendo aún más contundente de lo que había sido Tony Ray-Jones.

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© Martin Parr

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© Martin Parr

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© Martin Parr

Garry Winogrand en color

Hay fotógrafos que inmediatamente emparejas al color o al blanco y negro, recordando sus más importantes trabajos. Pero creo que existirán pocos fotógrafos que en un momento determinado de su carrera no hayan probado la otra alternativa tonal. Así, Ansel Adams, al que todos inmediatamente enlazamos con esas imágenes en grises tan ricas de matices, tiene un buen número de fotografías en color, no muy conocidas. Y, William Eggleston, uno de los pioneros del color, comenzó su carrera en blanco y negro, instantáneas que fueron recogidas en el libro publicado por Steidl, “Before color”, y del que ya hablamos aquí.

De igual manera, Garry Winogrand, otro de los grandes del siglo XX, y del que todos recordamos sus imágenes callejeras en blanco y negro, utilizó también el color en el algún momento de su trayectoria. No fueron tantas como las decenas de miles de obras que dejó para la posteridad utilizando la película de blanco y negro, pero para diversos encargos y algunos trabajos personales, sí se decidió a disparar en color. Fotografías de difícil localización, pero que gracias al blog de Nick Turpin sobre fotografía callejera podemos contemplar, aunque sea en pequeño número.

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Raíces: Harry Callahan y Philip Lorca diCorcia

Harry Callahan (1912-1999) es uno de los fotógrafos más originales del siglo XX. Experimentador incansable en la búsqueda de nuevas formas de observar la realidad, realizó en 1950 una serie que ha quedado para la historia de la fotografía por su forma de enfrentarse a la fotografía callejera y al retrato espontáneo. Armado con un teleobjetivo, salió a las calles de Chicago a aislar del contexto callejero a mujeres, realizando primeros planos que se centraban en la mirada, muchas veces ausente, de las protagonistas, y sin ninguna referencia del entorno que las rodeaba.

Superando las limitaciones técnicas de la época, con películas cuya sensibilidad hacía difícil utilizar rápidas velocidades de obturación, Callahan se las arregló para lograr una serie de imágenes, donde el espectador puede centrarse en los rostros, e invadir el espacio privado que todos tenemos dentro de ese lugar público que es la calle. En “Women Lost in Thought”, Callahan consigue un magnífico retrato social, dotado con la fuerza de la espontaneidad, y lleva al extremo ese ojo “voyeurístico” que caracteriza a la fotografía. Igual que había hecho Walker Evans, unos años antes, en sus fotografías realizadas con cámara oculta en el metro de Nueva York.

Y esa labor vigilante del fotógrafo callejero fue revisada por Philip Lorca diCorcia (1953), décadas más tarde, en una línea conceptual que intencionadamente o no, nos recuerda al trabajo de Harry Callahan. En este caso, diCorcia se sirvió para la serie “Heads” (1999-2001) de un flash potente para aislar al peatón del entorno, que parece emerger de las sombras, y que les proporciona una intensidad dramática, que aleja a estas imágenes de lo que entenderíamos como espontáneo y natural. Más, está estética nos acerca a la fotografía de estudio, pero jugando con la ambivalencia de la verosimilitud que les aporta el hecho de los que los retratados no fueron en ningún momento conscientes de haber sido fotografiados, ya que todo el equipo estaba oculto en una zona de Times Square, en Nueva York, y el flash pasaba desapercibido debido a su utilización de día y su rapidez de destello. DiCorcia juega así con la ficción y la realidad, en un catálogo de tipos de la sociedad contemporánea, que se muestran ante nosotros en actitud reflexiva.

Dos ejemplos, tanto el de Callahan como el de Philip Lorca diCorcia, de hacer avanzar la mirada fotográfica y la forma de abordar un proyecto de una manera personal, sirviendo a la vez de reflexión, tanto de la sociedad en general y la posición del individuo dentro de la ciudad contemporánea, como del propio medio fotográfico y el género de la fotografía callejera.

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© Harry Callahan

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© Harry Callahan

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© Harry Callahan

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© Harry Callahan

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© Philip Lorca diCorcia

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© Philip Lorca diCorcia