“La fotografía de moda perfecta es aquella que no se parece a una fotografía de moda. Se parece más a una película, a un retrato editorial o quizás a las fotos de los paparazzi.»
Helmut Newton.
© Helmut Newton
Archivos Mensuales: diciembre 2013
Christer Strömholm, un sueco entre los grandes
Seguramente la historia de la fotografía del siglo XX haya estado demasiado centrada en los Estados Unidos, a la que hay que reconocer su papel en la vanguardia a todos los niveles del medio, y muy poco consciente de lo que ocurría en otros lugares del planeta, salvo casos particulares, como el francés. En este siglo XXI, con el alcance global que ha tenido Internet como plataforma de conocimiento, uno de los grandes avances en la fotografía ha sido la posibilidad de acercarse a la obra de artistas de cualquier país, una vez que los grandes cauces que antes marcaban la senda que escribían los grandes libros de historia, como el MOMA o los medios de divulgación estadounidenses, ya son unas piezas importantes, pero sólo unas más entre otras muchas.
Por ejemplo, un artista como Christer Strömholm (1918–2002) nos podía servir de ejemplo de importantes nombres de la fotografía, cuya obra no ha alcanzado la globalidad que seguramente merecía. Del fotógrafo sueco la serie más conocida tal vez sea “Les Amies de Place Blanche”, que retrató a los transexuales que ejercían la prostitución en el barrio rojo de París. Unas imágenes, tomadas en los años 50 y 60, que no se convirtieron en libro hasta el año 1983. Instantáneas donde Strömholm alcanza una gran intimidad, y que emanan un enorme respeto y admiración por algo que el fotógrafo sueco definió como “la grandeza de obtener la libertad para elegir tu propia vida”. Un trabajo pulcro y elegante en lo formal, pero provocador a la vez por el mundo que retrata, y cómo lo retrata, donde predomina la no estereotipación. Estas mujeres emergen seguras, libres y valientes, casi retratadas como si fueran estrellas de cine, pero que han forjado su carácter superando traumas en una vida dura y compleja.
En otras imágenes firmadas por el fotógrafo sueco, realizadas algunas de ellas durante la misma época de “Les Amies de Place Blanche”, podemos atisbar un lado un tanto más oscuro y macabro, donde se mezcla la abstracción y el surrealismo, con fotografías inquietantes, que tienen como protagonistas en muchos casos a niños. Aquí las fotografías sugieren preguntas, interrogantes sin respuesta, elucubraciones en relación a lo que Strömholm nos quiere comunicar, en un plano rico y complejo. Algunas de ellas formaron parte de “Poste Restante”, libro publicado por primera vez en 1967, que es un diario visual de sus viajes por el mundo, y que le empareja con artistas como Robert Frank y Ed van der Elsken. En 1997 su nombre alcanzó más notoriedad al recibir el Premio Hasselblad.
© Christer Strömholm, “Nana” (1959)
© Christer Strömholm, “Carmen” (1960)
© Christer Strömholm, “Jacky” (1961)
© Christer Strömholm, “Suzannah y Sylvia” (1962)
© Christer Strömholm, “Themis” (1963)
© Christer Strömholm, “Tarragona” (1958)
© Christer Strömholm, “Cuenca” (1961)
© Christer Strömholm, “Cuenca” (1963)
© Christer Strömholm, “Hiroshima” (1963)
© Christer Strömholm, “Tokyo” (1963)
© Christer Strömholm, “Tokyo” (1963)
© Christer Strömholm, “Tokyo” (1963)
© Christer Strömholm, “Tokyo” (1963)
© Christer Strömholm, “Shinohara” (1963)
Platon, el retrato contra natura
Entre las lecciones básicas que te pueden dar a la hora de realizar un retrato, una de las más habituales será que coloques la cámara a la altura de los ojos y utilices una longitud focal larga. Con ello conseguirás un aspecto más natural de la persona. Pero, ¿qué sucede cuando el fotógrafo decide saltarse esta regla tan habitual y clásica?. El resultado se convierte en desconcertante, extraño y curioso. Lo que para muchos pudiera ser un error o una impericia técnica, otros lo erigen en un sello personal que les identifica y les diferencia como fotógrafos. Así ocurre con el británico Platon (Platon Antoniou, de origen griego, nacido en 1968), célebre ya gracias a sus portadas para Time, Wired, The New Yorker y Esquire, entre otras.
Platon coloca la cámara muy abajo, donde nadie se había atrevido a llegar para retratar a grandes líderes y personalidades mundiales, desde una distancia próxima, sirviéndose para ello de un objetivo gran angular, con la consiguiente distorsión de las extremidades. De esta manera ha realizado alguno de sus retratos más conocidos, como el del presidente ruso, Vladimir Putin, portada de la revista Time, y que le valió un premio World Press Photo en 2008. Es evidente que un estilo tan radical no a va despertar un aplauso unánime, pero es atrevido, original dentro de lo que podríamos englobar como retrato editorial, y el impacto, importante para distinguir una portada del resto, está garantizado.
© Platon, «Al Pacino»
© Platon, «Bill Clinton»
© Platon, «Gaddafi»
© Platon, «George Bush padre»
© Platon, «Vladimir Putin»
© Platon, «Willie Nelson»
La frase fotográfica de los martes, por Nathan Lyons
“El ojo y la cámara ven más de lo que la mente conoce.»
Nathan Lyons.
© Nathan Lyons, «Untitled (Rochester, New York)» 1957
Eugene Richards, un fotógrafo nada imparcial
Hay fotógrafos que se hacen presentes de una manera radical en la fotografía. Sus imágenes no son objetivas, ni pretenden serlo. Así trabaja Eugene Richards (1944, Estados Unidos), el reconocido fotoreportero norteamericano. Los protagonistas de sus series son colocados en los extremos del encuadre, muchas veces cortados, añadiendo una tensión dramática que acentúa las ya de por sí delicadas temáticas sobre las que trabaja.
Drogas, exclusión social, familias desestructuradas… Eugene Richards se muestra siempre crudo, duro, no pretende dulcificar, sino conmover, golpear, hasta algunas veces provocar que el espectador tenga que retirar la vista de la fotografía. Sus imágenes están realizadas desde muy cerca, en ocasiones, a pocos centímetros, con el mérito enorme de haberse ganado la confianza del retratado para trabajar de esa manera, y con la honestidad de no querer ser condescendiente con lo que testimonia.
Y siempre mostrando a los que pierden… a los que se quedan sin un hijo, muerto en una guerra sin sentido a miles de kilómetros, o a los que sobreviven en un suburbio tercermundista del primer mundo, en una gran ciudad americana… ahí está el objetivo de Eugene Richards para contar su historia, en un riguroso blanco y negro, y con la seguridad de que el resultado será intenso, no apto para los que prefieran ver sólo el lado amable de la vida.
Todas las fotografías © Eugene Richards
La frase fotográfica de los martes, por Edward Weston
«Consultar las reglas de composición antes de hacer una fotografía es como consultar las leyes de la gravedad antes de dar un paseo».
Edward Weston.
© Edward Weston
La frase fotográfica de los martes, por Garry Winogrand
«No es tu fotografía, es mi fotografía.»
Garry Winogrand en respuesta a alguien que le dijo en la calle que no le fotografiara.
© Garry Winogrand
La frase fotográfica de los martes, por Alec Soth
«La fotografía tiene mucho que ver con la poesía. Es sugerente y fragmentaria, y en muchos aspectos poco satisfactoria. Es el arte de la limitación. Encuadrar el mundo. Es tan importante lo que dejas fuera como lo que decides incluir.»
Alec Soth.
© Alec Soth
Saul Leiter, una herencia de color y abstracción
Hace pocos días se fue un maestro de la fotografía en color, Saul Leiter (1923-2013), y nos dejó un maravilloso legado de elegantes e inteligentes fotografías. Un fotógrafo que es conveniente estudiar, que es un ejemplo para todos esos estudiantes que están empezando a dar sus primeros pasos. En sus imágenes podemos ver lucidez, y una mirada nada pretenciosa, que es capaz de fijarse en el detalle momentáneo, en ese contraste de color que encaja y redondea una imagen, o en una rápida combinación de líneas y siluetas, que necesitan del encuadre preciso para completar la fotografía.
Disparó en color cuando pocos lo hacían de manera seria, y consiguió ganarse el respeto del mundo del arte, con su estilo sensible y exquisito, y poco dado a la transgresión de otros compañeros de generación. Sus estudios de pintura, y su atracción por el expresionismo abstracto, influyó en su obra, donde en muchas ocasiones la forma y el color predominan sobre el tema, y sólo contemplamos bocetos de figuras y objetos, que se desdibujan tras la bruma de un frío día en Nueva York, su gran escenario. Profesionalmente, se ganó la vida fotografiando moda para revistas como Vogue, Elle o Harper’s Bazaar.
Todas las fotografías © Saul Leiter
Oda a Niepce. 