Archivos Mensuales: marzo 2013

Extrañados: Philip-Lorca diCorcia para W Magazine

El trabajo de Philip-Lorca diCorcia (nacido en 1951) es muy conocido (aquí hemos hablado de él recientemente), figurando entre los más importantes creadores fotográficos de las últimas décadas, con series como “Heads” y “Hustlers”. DiCorcia también se ha acercado a la fotografía comercial, donde ha destacado realizando diferentes editoriales de moda para la revista W, dentro de una colaboración que se ha alargado durante varios años, comenzando en 1997.

En estos trabajos, encontramos al fotógrafo norteamericano siendo fiel a ese estilo que le ha hecho famoso, donde es capaz de atrapar un momento, que no podríamos llamar decisivo, sino concebido para crear tensión en los protagonistas de sus escenas, trasladando el enigma, y muchas veces la incomodidad, a quien visualiza la imagen.  En algunos casos, y refiriéndonos al mundo de la moda, nos recuerda a alguna de las fotografías de Helmut Newton, también muy dado a crear escenas teatralizadas, con varios personajes, y donde nos encontrábamos en medio de una historia no resuelta que podíamos sólo intuir. Aunque en el caso de Newton, su estilo es menos sutil, y más crudo y provocativo.

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Todas las fotografías realizadas por Philip-Lorca diCorcia para W magazine

La frase fotográfica de los martes, por Henri Cartier-Bresson

“Tus primeras 10.000 fotografías son tus peores fotos”.

Henri Cartier-Bresson.

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© Henri Cartier-Bresson

John Gossage: Un americano en Berlín

Existen fotógrafos que han quedado unidos para siempre a una ciudad, convirtiéndola en su principal escenario creativo por unos u otros motivos. El trabajo más importante de John Gossage (1946) ha sido realizado en Berlín, un lugar alejado de su Staten Island natal, pero donde encontró un espacio en permanente mutación,  y con una fuerte carga histórica, que se hacía presente, algunas veces de manera sutil, y en otras ocasiones, como una verdadera losa.

El romance de John Gossage con la capital alemana comenzó en 1982, y durante muchos años realizó numerosos viajes a Berlín, que se materializaron principalmente en el libro “Berlin in the Time of the Wall” (2004), una gran recopilación de todo su trabajo realizado allí hasta el año 1993. En la metrópoli alemana, emergía en aquella época la presencia inapelable del muro que dividía la ciudad, que restringía los movimientos, y que ponía en evidencia un conflicto histórico y un pasado dramático que los berlineses evitaban, pero con el que se enfrentaban a diario ante las evidencias arquitectónicas que encontraban a su paso.

Gossage llegó a Berlín como profesor invitado a impartir diferentes talleres, y de forma inmediata sufrió un choque ante ese muro imponente, y frente a una historia que era tan lejana en lo físico a un norteamericano. Comenzó a hacer fotografías a ese paisaje urbano que se iba encontrando, fijándose en las cicatrices que denotaban la presencia humana, muchas veces metáforas de ese pasado. Se fijó en los descampados y las ruinas en torno al muro, y fotografió muchas veces de noche con una película de alta sensibilidad, acrecentando esa mezcla de misterio y desconcierto ante lo que observa.

En gran parte recuerda a Eugene Atget, y su manera de fijarse en las zonas secundarias, anónimas, pero que tienen ese poder evocador y poético cuando son capturadas por una cámara fotográfica. En un libro más reciente, “Eva’s Book / Berlin in pictures”, John Gossage se ha centrado más en los viajes más próximos, realizados a finales de los 90 y principios del 2000, fijándose en ese cambio que ha sufrido Berlín tras la caída del muro y la unión de las dos partes de la ciudad.

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Todas las fotografías © John Gossage

Nuevas Miradas: Jennifer Kaczmarek

La fotografía es un medio muy útil para acercarnos a la situación de personas que, por unos u otros motivos, no llevan una vida “normal” y tiene que luchar diariamente en inferioridad de condiciones al resto de la sociedad. Conocer su problemática, y conseguir que un trabajo fotográfico se convierta en su altavoz, es algo tremendamente loable para quien consigue que esa situación sea conocida. Así lo ha llevado a cabo la fotógrafa Jennifer Kaczmarek retratando la vida de Alyssa, una niña que sufre una enfermedad que ha inutilizado sus brazos y piernas, y cuyos dedos tienen una reducida movilidad. Un trabajo que pone de manifiesto sus limitaciones y sus problemas diarios, pero donde también hay cabida para mostrarnos un espíritu vivo y resplandeciente, que como suele ocurrir en casos así, es un verdadero ejemplo del que todos tenemos que tomar nota para afrontar nuestros sin duda menores desafíos diarios.

Este proyecto es el punto de partida de Jennifer Kaczmarek, que junto a varios periodistas, han creado una fundación de fotografía documental que permita dar voz a los que sufren este tipo de enfermedades, ayudándoles a todos los niveles. Para ello, hay una web donde pueden verse las actividades que desarrollan y los casos que están tratando: http://loveforalyssa.com

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Todas las fotografías pertenecen al proyecto “Love For Alyssa”, realizado por Jennifer Kaczmarek

La frase fotográfica de los martes, por Berenice Abbott

“La fotografía sólo puede representar el presente. Una vez fotografiados, el sujeto se convierte en parte del pasado.”

Berenice Abbott.

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© Berenice Abbott

Katy Grannan: las raíces del retrato en la fotografía contemporánea

La influencia de Diane Arbus en la fotografía contemporánea, en relación al retrato, es más que evidente en muchos autores. De entre ellos, una de las más talentosas ha sido Katy Grannan, de la que muchos han hablado como la “Diane Arbus del siglo XXI”. Y es que la fotógrafa norteamericana, nacida en 1969, cultiva también el mismo gusto por los personajes outsiders de la sociedad, que bien pueden ser nudistas, uno de los temas más tratados por Arbus, o personajes “off Hollywood” sacados de la puerta trasera de Los Angeles o San Francisco.

En su última serie, titulada “Boulevard” (2008-2010), formada por unos posados callejeros que realizó contra un fondo neutro en la California de “los grandes sueños”, aparece un conjunto de personas que se nos presentan poderosos externamente, orgullosos de una individualidad que muestran sin tapujos, pero donde se intuyen también fragilidades e historias no del todo felices. Contra ese fondo casi blanco, que nos recuerda a Richard Avedon, el sol potente de California actúa de duro proyector de unas personalidades que parecen curtidas en la lucha diaria de un espacio donde poder habitar con todas sus miserias y grandezas. Unos miran frontalmente, pero otros se muestran más reticentes, más huidizos, atrapados seguramente en dramas internos que se puedan atisbar, pero nunca asegurar, como sucede muchas veces en el retrato.

En su anterior serie, que dio lugar al libro “Model American” (2005), personajes anónimos se muestran desnudos o semindesnudos ante la cámara de Katy Grannan. Personas que llegaron a ser retratados por medio de anuncios que Grannan publicaba en la prensa local para captar modelos que fueran útiles a sus propósitos. Y muchos posan de una forma poco académica, como si Grannan les hubiera dejado plena libertad, sin preocuparse tanto por esos detalles, y sí por mostrar personas que están dispuestas a enfrentarse a una fotografía con total franqueza, donde parecen autoafirmarse igual que en el caso de “Boulevard”.

Su siguiente trabajo, “The Westerns” (2008), sigue la misma senda estética de su primer proyecto, pero ahora los protagonistas son sacados también de ese oeste americano, tan mitológico,  que aparece en “Boulevard”, insinuándose ese cierto halo de tristeza que está presente también en buena parte de la mejor fotografía contemporánea norteamericana.

Por lo tanto, en Katy Grannan, haciendo ese recorrido por su obra, encontramos esa esencia que nos recuerda como influencia más fuerte a Diane Arbus, pero donde emerge igualmente el recuerdo de Richard Avedon, también Nan Goldin, e incluso William Eggleston. Lo bueno de su caso es que muestra un conocimiento profundo de la obra de todos estos grandes autores, pero ha conseguido crear un mundo propio, donde los personajes, la estética, la luz y el color, confluyen hasta formar una personalidad de las más destacadas dentro de lo que podríamos denominar el retrato fotográfico contemporáneo.

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© Katy Grannan, “Boulevard”

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© Katy Grannan, “Boulevard”

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© Katy Grannan, “Boulevard”

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© Katy Grannan, “Boulevard”

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© Katy Grannan, “Boulevard”

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© Katy Grannan, “Model American”

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© Katy Grannan, “The Westerns”

Nuevas miradas: Tamas Dezso

El trabajo de Tamas Dezso (Budapest, 1978) nos lleva a ese país que tantos buenos fotógrafos ha aportado a la historia de la fotografía, Hungría, pero de la que tan poco se conoce, más allá de la imagen turística de su capital, Budapest. Un país, que como en tantos otros del antiguo bloque soviético, perdura aun el rastro del pasado comunista, junto al rápido paso al sistema capitalista, que ha provocado tensiones profundas, y una sociedad dividida en la que están presentes sensaciones como la nostalgia y la desilusión ante las promesas no cumplidas.

En “Here, anywhere”, que así se titula el proyecto de Dezso sobre su país, observamos frontalidad, frialdad, y ese objetivismo tan “subjetivo” de presentarnos las cosas de una manera clara, pero tremendamente abierta. No hay trazos de optimismo, “su” Hungría es fría, destartalada, caduca, donde notamos más la presencia del pasado, que del presente, y no nos muestra un futuro esperanzador.

En “Romania”, el otro gran proyecto que podemos encontrar en su web, encontramos las mismas características. La desolación sobrevuela todas las imágenes, como las aves que, al igual que en su trabajo sobre Hungría, abren la primera fotografía de la serie. Aquí se fija especialmente en ese mundo del interior, de las pequeñas aldeas, donde perviven tradiciones enraizadas en la naturaleza, condenadas a desaparecer entre los restos de la industrialización del pasado comunista.

Tamas Dezso es un fotógrafo ya con un amplio currículum, donde figuran colaboraciones con medios como Time, The New York Times, National Geographic o Le Monde, entre otros, además de numerosas exposiciones individuales y colectivas. En 2012 fue nominado al Prix Picket, finalista en los Leica Oskar Barnack Award y ganador de la categoría de “fotoensayo” en los premios de la revista PDN.

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Todas las fotografías pertenecen al proyecto “Here, anywhere”, © Tamas Dezso

Alexander Gardner: Retratar al asesino y a la víctima

No sé si habrá muchos casos a lo largo de la historia de la fotografía, pero el caso de Alexander Gardner (1821-1882) es tremendamente singular. El fotógrafo norteamericano, uno de los grandes retratistas del siglo XIX, es conocido por haber inmortalizado a Abraham Lincoln (1808-1865), tal vez realizando alguna de las imágenes más conocidas del presidente estadounidense.   Pero es menos conocido que también retrató al que más tarde se convertiría en el asesino de Lincoln, el actor John Wilkes Booth (1838-1865), un apasionando defensor de los estados confederados y de la esclavitud.

Le fotografió en 1863, dos años antes de que Booth, junto a otra serie de seguidores del bando perdedor de la guerra de secesión norteamericana, organizara un plan para asesinar a las principales personalidades políticas de los Estados Unidos, que sólo se cumplió en el caso de Lincoln. Curiosamente, corre la leyenda de que el cadáver del asesino de Lincoln, que murió pocos días después de haber acabado con la vida del presidente norteamericano, fue fotografiado también por Gardner y su ayudante Timothy O’ Sullivan, pero esa fotografía se perdió, dando pábulo a teorías conspiranoicas en relación a su muerte.

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© Alexander Gardner, “Abraham Lincoln”

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© Alexander Gardner, “John Wilkes Booth”

Harry Callahan en color

Uno de los protagonistas de Photoespaña 2013 va a ser Harry Callahan (1912-1999), seguramente de los fotógrafos más originales y trascendentales del siglo XX. Con un trabajo realizado de forma fundamental en blanco y negro, también, como no podía ser menos en un artista que experimentó con todo tipo de técnicas fotográficas y formatos, realizó un bueno número de imágenes en color. Tal vez no formen el cuerpo más importante de su obra, pero sí ponen de manifiesto una vez más el talento de Callahan para discernir lo importante de cada fotografía, siendo en este caso capaz de buscar el color, jugar con él y componer en base a las variantes cromáticas. 

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Todas las fotografías © Harry Callahan

La frase fotográfica de los martes, por Richard Avedon

“A través de mis fotografías puedo hablar de manera más intrincada y profunda que a través de las palabras”.

Richard Avedon.

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© Richard Avedon, “Groucho Marx”.